Marsden Hartley

Célébrer les montagnes et le Maine dans les articles de cette semaine nous donne l’occasion d’en apprendre davantage sur l’un des plus grands peintres modernes du Maine, Marsden Hartley. Né à Lewiston en 1877, Marsden Hartley a connu des débuts difficiles dans le Maine. Il a quitté l’État pour vivre en Europe, au Nouveau-Mexique, à New York, en Californie et dans le Massachusetts. Sa vie fut riche en voyages, en éducation et en dévouement à son art, qui consistait en peinture, poésie et essais. Il est retourné dans le Maine en 1937 et y a vécu jusqu’à sa mort à Ellsworth en 1943. Ses cendres ont été dispersées sur la rivière Androscoggin.

« Après s’être installé à New York en 1898, il étudie auprès de William Merritt Chase, puis à la National Academy of Design, mais son style est surtout influencé par Albert Pinkham Ryder et l’impressionniste Giovanni Segantini. Il présente sa première exposition personnelle à la galerie « 291 » de Stieglitz en 1909. Grâce à cette galerie, il découvre l’art de Cézanne et de Picasso, dont il assimile rapidement les théories sur la structure. Lors de ses séjours à Paris et à Berlin de 1912 à 1915, son style s’oriente vers l’abstraction sous l’influence de Kandinsky, de Franz Marc et des Fauves. Il travaille à Provincetown, dans le Maine, au Nouveau-Mexique, en Californie et à New York avant de retourner en Europe en 1921. Dès 1920, la peinture de Hartley devient de plus en plus figurative. Ses paysages tardifs, dotés d’une force rustique, expriment un attachement romantique profond à sa terre natale. Il retourne en Amérique en 1930 et voyage beaucoup tout en travaillant principalement dans le Maine. Outre la peinture, Hartley composait également de la poésie et écrivait sur l’art moderne. »

Marsden Hartley, Cosmos The Mountains

Marsden Hartley, Give Us This Day

Marsden Hartley, « Art and the Personal Life », 1928

« Dès qu’un véritable artiste découvre ce qu’est l’art, plus il est susceptible de ressentir le besoin de garder le silence à ce sujet, et sur lui-même en relation avec celui-ci. Il existe presque, de nos jours, une sorte de « petit scandale » dans l’idée de s’associer à quoi que ce soit de nature professionnelle. Et c’est à ce stade que je recule un peu à l’idée de m’affirmer en ce qui concerne les aspects professionnels de l’art. Et ici, la qualité de la confession doit percer. J’ai rejoint, une fois pour toutes, les rangs des expérimentalistes intellectuels. Je supporte à peine d’entendre les mots « expressionnisme », « émotionnalisme », « personnalité », et autres, car ils impliquent le souhait d’exprimer une vie personnelle, et je préfère ne pas avoir de vie personnelle. Pour moi, l’art personnel est une question d’indélicatesse spirituelle. Les personnes dotées d’une sensibilité raffinée devraient se garder d’apparaître dans leur peinture, ce qui signifie, bien sûr, que l’accusation formulée récemment à mon égard sous la forme d’une remarque grincheuse, « que vous êtes un perfectionniste », est dans l’ensemble vraie.

Je ne m’intéresse donc qu’au problème de la peinture, à la manière de faire une meilleure peinture selon certaines lois inhérentes à la création d’un bon tableau, et non aux extraversions ou introversions privées d’individus spécifiques. C’est pour moi l’erreur inhérente à une œuvre d’art. J’ai appris cette sagesse grâce à un principe de William Blake que j’ai découvert tôt et que j’ai suivi beaucoup trop assidûment durant la première moitié de ma vie esthétique, et dont je me suis heureusement libéré ; cet axiome était : « Rejette l’intellect et revêts l’imagination ; l’imagination, c’est l’homme. » De cette affirmation doctrinale a évolué l’axiome théorique selon lequel on ne voit pas une chose tant que l’on ne s’en détourne pas, ce qui était un excellent truisme tant que l’on croyait aux principes de la vie imaginative et qu’on les suivait. Je ne crois plus en l’imagination. Je me suis levé un beau jour et tout avait changé. J’avais troqué mes vieux vêtements contre des neufs, et je ne pouvais plus supporter la vue des anciens habits. Et lorsqu’une peinture est élaborée à partir de principes imaginatifs, je suis fortement enclin à m’en détourner, car j’ai une plus grande foi dans le fait que la clarté intellectuelle est préférable et plus divertissante que la sagesse imaginative ou la richesse émotionnelle. Je crois aux aspects théoriques de la peinture parce que je crois qu’ils produisent une meilleure peinture, et je pense pouvoir dire que j’ai été un assez bon exposant de l’idée imaginative.

J’en suis arrivé à la conclusion qu’il vaut mieux avoir deux couleurs dans une relation juste l’une avec l’autre que d’avoir une vaste confusion d’exubérance émotionnelle sous le couvert d’une plénitude extatique ou d’une révélation poétique, ces deux qualités étant, de manière générale, devenues depuis longtemps des expériences de second ordre. Je préfère être intellectuellement juste qu’émotionnellement exubérant, et je pourrais dire la même chose de tout autre aspect de mon expérience personnelle. »

>> Peintures de Marsden Hartley. Article extrait de Artchive.

Marsden Hartley, Mountain Lake (Lac de montagne), automne 1910

Marsden Hartley, Islands, Penobscot Bay (Îles, baie de Penobscot)

Marsden Hartley, Mont Sainte-Victoire (rouge), 1927

Marsden Hartley, Mont Sainte-Victoire (rose), 1927

Marsden Hartley, Purple Mountains (Montagnes pourpres), 1925-1926

Marsden Hartley, Spirited Morning — Mexico (Matin fougueux — Mexique), 1932

Marsden Hartley, « Indian Point »

Lorsque le ressac lèche de ses langues ces formes personnelles volcaniques que nous définissons pour nous-mêmes comme des rochers, et que nous les acceptons comme tels, dans son arrivée fiévreuse n’est-ce pas aussi, à sa manière, quelque chose comme l’image simple de la vie ? Ces entités agitées perturbant des substances solides avec une étrange, impertinente et commune inquiétude – et, comme tant d’éléments à l’air simple, lorsqu’ils semblent les plus joueurs, c’est alors qu’ils sont les plus dangereux. La femme brillante regardant la mer à travers le télescope cristallin de ses années qui avancent, il ne fait aucun doute qu’elle découvre la même image que l’enfant qui remarque l’éclat radieux de ses billes sur l’écume de la vague avec laquelle il jouait autrefois, ou comme la dentelle frangée sur la robe de la femme d’un Titan – le reflux rafraîchissant au moins l’œil avec quelque chose d’exceptionnel, blanc ou vert ou bleu, presque trop pâle pour être mentionné, si effrayant jusqu’à la moelle, car beaucoup ont été envoyés à leur mort pour avoir trop fait confiance tout en le regardant avec affection, la mer.