Entretien avec Anna Hepler

Lorsque j’ai rencontré Anna Hepler il y a plusieurs années, elle travaillait dans un atelier situé dans la rue de ma maison à Portland, dans le Maine. Le travail dont je me souviens de ce premier jour consistait en de minuscules dessins, simples. Chacun semblait presque être un organisme inattendu apparu sur une lame sous un microscope. Des années plus tard, je me suis sentie transportée par son installation dans le Great Hall du Portland Museum of Art. Son orbe gigantesque et flottant semblait être tombé dans le musée depuis un autre monde. Merci à Anna de partager avec nous votre histoire et votre processus. Vous êtes une source d’inspiration.

Revenons tout au début, à vos premières expériences en tant qu’artiste. Avez-vous grandi dans une famille créative ? À quoi ressemblait votre enfance et comment pensez-vous qu’elle vous a menée vers la vie artistique que vous menez aujourd’hui ?

Ma mère adore fabriquer les choses de zéro et elle a construit pour nous tous une vie riche en objets faits maison : vêtements, poterie, bougies, jardins, tricot, filage, tout. Sa vision en tant que designer pourrait être qualifiée de « Shaker-moderne », où le bois brut et un minimalisme pragmatique étaient ce que nous connaissions. Sa poterie s’inspirait de la simplicité des céramiques asiatiques, se situant quelque part entre les sensibilités japonaise et danoise. Je ne veux pas dire qu’elle était rigide. Ses espaces sont conviviaux et accueillants, mais sobres et visuellement clairs. Mon monde esthétique a été façonné par sa détermination, son discernement et sa clarté quant à la façon dont le monde physique peut paraître et se comporter. Et en suivant son exploration de l’artisanat, je lui ai emboîté le pas. J’étais curieuse d’apprendre à fabriquer des choses et je voulais essayer tout ce qu’elle essayait. À la fin de l’école primaire, j’étais devenue une créatrice confiante. La question de savoir si mon intérêt pouvait être qualifié d’art en est certainement une autre, et je continue de prendre autant de plaisir à construire des objets pour le domaine fonctionnel qu’à aborder des idées conceptuelles dans mon atelier.La multitude de médiums et d’échelles avec lesquels vous travaillez m’a toujours impressionnée. Avez-vous tendance à travailler sur plusieurs échelles à la fois ou vous concentrez-vous sur une seule chose à la fois ?

L’échelle a toujours été une question intéressante dans mon travail. Le pendule oscille largement et pas toujours de manière rationnelle. Les espaces d’exposition et les musées sont assez grands de nos jours, alors pour occuper cette architecture sans se sentir écrasée par elle, on répond en s’adaptant à son échelle. Le travail que je réalise pour des expositions et des commandes est conçu pour répondre aux espaces où les œuvres seront montrées, et tend donc vers le grandiose. Dans mon atelier, où je jongle avec des idées en privé et explore de nouvelles avenues, le travail est presque toujours petit, tenable à la main et intime. J’apprécie les deux extrémités de ce spectre et j’apprends des deux. En ce qui concerne les matériaux, je ne m’attache à aucun en particulier et j’adore le défi de me débattre avec un nouveau processus. Je me suis toujours demandé si je pouvais communiquer plus clairement à travers un matériau que je n’ai pas encore testé, alors quand l’occasion se présente, je la saisis. Récemment, j’ai eu une sorte de fièvre de la céramique, et j’apprends à tourner et à construire des formes simples avec ce matériau. C’est rafraîchissant d’être une amatrice, et les résultats de l’exploration d’un nouveau matériau produisent souvent des résultats merveilleusement maladroits. Cela dit, j’aime aussi répéter de nombreux processus au fil du temps. Quand j’ai envie de dessiner, je fais généralement des estampes, et j’adore particulièrement les gravures sur bois et les pointes sèches. Dans l’atelier, quand le travail est à son meilleur, je travaille souvent entre les matériaux et entre la 2D et la 3D. Ce va-et-vient est stimulant et encourage les connexions et les nouvelles idées là où elles ne se produiraient pas naturellement. La difficulté, c’est de choisir quoi faire quand je franchis la porte. Comment organisez-vous vos inspirations ? Je garde une bibliothèque d’inspirations, soit dans des classeurs en découpant des images de magazines, soit sous forme de monographies de mes artistes préférés. Mes classeurs sont les plus gratifiants et contiennent un méli-mélo d’influences et d’idées. Je garde aussi un carnet de croquis, moins pour dessiner que pour noter les idées possibles au fur et à mesure qu’elles me viennent.Y a-t-il des personnes, des lieux ou des choses qui ont été très influents dans votre vie et votre travail ? Voudriez-vous partager ?

Oh oui… il y en a tellement ! Mon premier modèle artistique a été Claire Van Vliet, une artiste du livre située dans le nord du Vermont. J’ai vécu et travaillé avec Claire à trois reprises en tant que stagiaire à partir de mes 19 ans. Avec elle, j’ai publié deux livres en édition limitée et j’ai acquis de nombreuses compétences liées à la production. Les expériences que j’ai vécues avec Claire ont formé la base sur laquelle j’ai pu envisager un avenir, au sens professionnel, en tant qu’artiste visuelle. Dix ans plus tard, à 29 ans, j’ai été sélectionnée comme boursière de la Henry Luce Foundation et j’ai passé un an à vivre et à travailler à Séoul, en Corée du Sud. Cette expérience a changé ma vie, à la fois par la difficulté de vivre dans une culture qui fonctionnait de manière non intuitive pour mes sensibilités occidentales, et par les cadeaux qui découlent de l’abandon à l’inconnu. Mes amitiés avec Lee Jin-Kyung et Noh Seokmee, toutes deux artistes, durent depuis lors, et je suis retournée en Corée à plusieurs reprises. Esthétiquement, c’est en Corée que ma sensibilité formatrice — ancrée dans le bois, la céramique et les fibres naturelles — a été complexifiée en trouvant de la beauté dans les couleurs néon, le plastique et une nouvelle appréciation de l’impermanence dans le monde du fait-main.

Vous avez vécu dans des endroits très intéressants. Comment ces lieux ont-ils nourri votre travail ?

Chaque exposition à l’inconfort et à l’inconnu ressemble à une gymnastique pour mon cerveau. Il est difficile de pointer des influences spécifiques, mais j’y gagne à chaque fois en étant dans un nouvel environnement. La difficulté maintenant est de rester sur place et de faire pousser des racines plus profondes. Si vous pouviez choisir un nouvel endroit où vivre et travailler pendant un an, où iriez-vous et que feriez-vous ? J’ai une fascination romantique pour les lieux du nord, comme Terre-Neuve. J’adorerais y voyager et y vivre un moment, boire du thé pendant une tempête, ce genre de choses.Parfois, votre travail semble très primitif, avec des formes et des textures géologiques. D’autres fois, il semble si futuriste, comme si l’objet était si sophistiqué que tous les composants inutiles avaient disparu. Vous identifiez-vous davantage à une idée qu’à l’autre ?

J’adore cette question ; elle souligne un aspect fragile de mon travail, un aspect qui change constamment. À quel point une forme est-elle réduite à rien, et à quel point une forme réduite est-elle hyper articulée ? C’est difficile à savoir. Je m’efforce de trouver les origines des formes qui m’intéressent, comme s’il pouvait y avoir un message clair derrière. Mais on court le risque de trop en enlever et de ne rien laisser. Il y a quelque chose dans la retenue et une forme de confinement qui me semble puissante et effrayante. Je veux que mes formes sculpturales montrent à la fois la simplicité et la lutte. Je ne pense pas que mon travail pointe vers le passé ou le futur, mais vers une sorte d’état psychologique de base contenant des contradictions… pas nécessairement un conflit, mais des éléments compétiteurs qui sont en désaccord les uns avec les autres.

Se consacrer à l’art à temps plein demande une bonne dose de confiance en soi. Avez-vous des conseils pour quelqu’un qui rêve d’être artiste à plein temps, mais qui n’a pas la confiance nécessaire pour s’y engager pleinement ?

Je suis très mauvaise pour donner des conseils. Nous arrivons tous dans nos vies de manières si différentes.

Vous vivez dans le « Down East » depuis trois ans. Pouvez-vous décrire la culture là-bas et comment elle a influencé votre vie et votre travail ? Avez-vous des images de la région pour aider les gens à se représenter l’endroit ?

Je trouve que c’est magique là-bas. J’adore vivre dans le Down East. C’est rude et difficile, mais élémentaire, et passionnant pour ces raisons. C’est une culture où les gens portent de nombreuses casquettes par nécessité, et où l’autonomie est la sensibilité dominante. Les gens sont des créateurs et des producteurs plus que des consommateurs, générant leur propre divertissement et résolvant eux-mêmes leurs problèmes. C’est un endroit têtu et conservateur à bien des égards, mais aussi riche dans la monnaie des relations humaines. On pourrait dire que c’est à l’ancienne.

Découvrez davantage le travail d’Anna Hepler.