Entrevista con Anna Hepler

Cuando conocí a Anna Hepler hace años, ella trabajaba en un estudio cerca de mi casa en Portland, Maine. El trabajo que recuerdo de aquel primer día eran dibujos diminutos y sencillos. Cada uno parecía casi un organismo inesperado que aparecía en una placa bajo el microscopio. Años después, me sentí transportada por su instalación en el Great Hall del Museo de Arte de Portland. Su orbe gigantesco y flotante parecía haber caído en el museo desde otro mundo. Gracias a Anna por compartir tu historia y tu proceso con nosotros. Eres una inspiración.

Volvamos al principio, a tus primeras experiencias como artista. ¿Creciste en una familia creativa? ¿Cómo fue tu infancia y qué es lo que crees que te condujo hacia la vida artística que tienes?

A mi madre le encanta crear cosas desde cero y nos construyó una vida llena de cosas hechas en casa: ropa, cerámica, velas, jardines, tejido, hilado... de todo. Su visión como diseñadora podría llamarse "Shaker-modern", donde la madera desnuda y un minimalismo pragmático eran lo que conocíamos. Su cerámica se inspiraba en la sencillez de la cerámica asiática, situándose en un punto intermedio entre la sensibilidad japonesa y la danesa. No quiero sugerir que fuera rígida. Sus espacios son amables y acogedores, pero despejados y visualmente claros. Mi mundo estético fue moldeado por su capacidad de decisión, su discernimiento y su claridad sobre cómo podía verse y comportarse el mundo físico. Y con su exploración de la artesanía, yo la seguí. Me interesaba aprender a hacer cosas y quería probar todo lo que ella probaba. Cuando terminé la escuela primaria, tenía confianza como creadora. Si se puede llamar arte a mi interés es sin duda otra cuestión, y sigo disfrutando tanto construyendo cosas para el ámbito funcional como abordando ideas conceptuales en el estudio.La multitud de medios y escalas en los que trabajas siempre me ha impresionado. ¿Sueles trabajar en varias escalas a la vez o te centras en una sola cosa cada vez?

La escala siempre ha sido una cuestión interesante en mi obra. El péndulo oscila ampliamente y no siempre de forma racional. Los espacios de exposición y los museos son bastante grandes hoy en día, así que para ocupar esa arquitectura sin sentirse empequeñecida por ella, uno responde igualando su escala. El trabajo que realizo para exposiciones y encargos está construido para responder a los espacios donde se mostrará la obra y, por tanto, tiende a lo grandioso. En mi estudio, donde manejo ideas en privado y exploro nuevas vías, el trabajo es casi siempre pequeño, manejable y personal. Disfruto de los extremos opuestos de este espectro y aprendo de ambos. En el ámbito de los materiales, formo pocas lealtades y me encanta el problema de luchar con un proceso nuevo. Siempre me he preguntado si podría comunicarme con mayor claridad a través de un material que aún no he probado, así que cuando surge la oportunidad, la aprovecho. Últimamente tengo un poco de fiebre por la cerámica y estoy aprendiendo a tornear y a construir formas sencillas con ese material. Se siente fresco ser una aficionada y los resultados de explorar un nuevo material a menudo producen resultados maravillosamente incómodos. Dicho esto, también disfruto repitiendo muchos procesos a lo largo del tiempo. Cuando tengo ganas de dibujar, suelo hacer grabados, y me encantan especialmente las xilografías y las puntas secas. En el estudio, cuando el trabajo está en su mejor momento, suelo trabajar entre materiales y entre el 2D y el 3D. El ir y venir es estimulante y fomenta conexiones e ideas nuevas donde no ocurrirían de forma natural. La lucha es elegir qué hacer cuando cruzo la puerta. ¿Cómo organizas tus inspiraciones? Mantengo una biblioteca de inspiraciones, ya sea en carpetas recortando imágenes de revistas o como monografías de artistas favoritos. Mis carpetas son lo más gratificante y contienen un surtido mayor de influencias e ideas. También guardo un cuaderno de bocetos, menos para dibujar y más para anotar posibles ideas a medida que se me ocurren.¿Hay personas, lugares o cosas que hayan sido muy influyentes en tu vida y en tu trabajo? ¿Te importaría compartirlo?

Oh, sí... ¡hay tantos! Mi primer modelo a seguir como artista fue Claire Van Vliet, una artista del libro afincada en el norte de Vermont. Viví y trabajé con Claire en tres ocasiones como pasante desde que tenía 19 años. Con ella publiqué dos libros de edición limitada y aprendí muchas habilidades relacionadas con la producción. Las experiencias que tuve con Claire formaron la base sobre la que pude visualizar un futuro, en sentido profesional, como artista visual. Diez años después, cuando tenía 29, fui seleccionada como becaria de la Fundación Henry Luce y pasé un año viviendo y trabajando en Seúl, Corea del Sur. Esta experiencia cambió mi vida, tanto por la lucha de vivir en una cultura que funcionaba de una forma no intuitiva para mi sensibilidad occidental, como por los regalos que surgieron al entregarse a lo desconocido. Mis amistades con Lee Jin-Kyung y Noh Seokmee, ambas artistas, han durado desde entonces y he regresado a Corea varias veces. Estéticamente, fue en Corea donde mi sensibilidad formativa —arraigada en la madera, la cerámica y las fibras naturales— se complicó al encontrar belleza en los colores neón, el plástico y una nueva apreciación por la impermanencia en el mundo hecho a mano.

Has vivido en lugares muy interesantes. ¿Cómo han influido esos lugares en tu trabajo?

Cada exposición a la incomodidad y a lo desconocido se siente como una gimnasia para mi cerebro. Es difícil señalar influencias concretas, pero siempre gano al estar en un entorno nuevo. La lucha ahora es permanecer en un sitio y echar raíces más profundas. Si pudieras elegir un lugar nuevo para vivir y trabajar durante un año, ¿adónde irías y qué harías? Tengo un romance con los lugares del norte, como Terranova. Me encantaría viajar allí y vivir durante un tiempo, tomar té en medio de una tormenta, ese tipo de cosas.A veces tu trabajo parece muy primitivo, con formas y texturas geológicas. Otras veces se siente tan futurista, como si el objeto fuera tan sofisticado que todos los componentes innecesarios hubieran desaparecido. ¿Te identificas más con una idea que con la otra?

Me encanta esta pregunta y apunta a un aspecto frágil de mi trabajo, uno que está en constante cambio. ¿En qué punto se reduce una forma a la nada, y en qué punto una forma reducida es hiperarticulada? Es difícil saberlo. Me esfuerzo por encontrar los orígenes de las formas que me interesan, como si hubiera un mensaje claro allí. Pero uno corre el riesgo de quitar demasiado y no dejar nada. Hay algo en la contención y una especie de restricción que me resulta poderosa y aterradora. Quiero que mis formas escultóricas muestren sencillez y lucha al mismo tiempo. No creo que mi trabajo apunte al pasado o al futuro, sino a una especie de estado psicológico básico que contiene contradicciones... no necesariamente conflicto, sino elementos competitivos que están enfrentados entre sí.

Dedicarte al arte a tiempo completo requiere mucha confianza. ¿Tienes algún consejo para alguien que pueda tener el sueño de ser artista a tiempo completo, pero que no tenga la confianza para comprometerse totalmente?

Soy terrible dando consejos. Todos llegamos a nuestras vidas de formas tan diferentes.

Has vivido en "Down East" durante tres años. ¿Puedes describir la cultura de allí y cómo ha influido en tu vida y en tu trabajo? ¿Tienes alguna imagen de la zona para ayudar a la gente a visualizar el lugar?

Creo que es mágico allí abajo. Me encanta vivir en Down East. Es áspero y duro, pero elemental y emocionante por esas razones. Aquí hay una cultura donde la gente desempeña muchos papeles por necesidad, y donde la autosuficiencia es la sensibilidad dominante. La gente es más creadora y productora que consumidora, generando su propio entretenimiento y resolviendo problemas por sí misma. Es un lugar obstinado y conservador en muchos sentidos, pero también rico en la moneda de las relaciones humanas. Podría decirse que es anticuado.

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